재즈 피아노 학습 트렌드에서 보사노바는 여전히 가장 안정적인 인기 장르로 자리 잡고 있습니다. 특히 보사노바 특유의 부드럽고 세련된 사운드는 ‘텐션’ 활용 능력에 따라 완성도가 극명하게 달라집니다. 단순 코드 암기를 넘어 화성학적 이해를 바탕으로 텐션과 보이싱을 설계해야 진짜 보사노바 사운드를 구현할 수 있습니다. 지난 포스팅에서는 보사노바의 리듬과 구조에 대한 전반적인 것들을 알아보았습니다. 이어서 오늘은 보사노바 화성학 구조, 텐션 운용 원리, 실전 보이싱 전략을 심층적으로 정리해보려고 합니다.
보사노바 화성학의 기본 구조 이해
보사노바는 단순히 “느린 재즈”가 아닙니다. 기본적으로 재즈 화성학을 뿌리로 하지만, 브라질 특유의 리듬적 여백과 절제된 다이내믹이 결합된 장르입니다. 따라서 화성학적 이해 없이 리듬만 모방하면 보사노바 특유의 세련미를 표현하기 어렵습니다. 가장 핵심이 되는 구조는 Ⅱ-Ⅴ-Ⅰ 진행입니다. 예를 들어 C Major 키에서 Dm7 - G7 - Cmaj7 진행은 거의 모든 보사노바 스탠다드에서 반복적으로 등장합니다. 그러나 단순히 7화음으로만 연주하면 사운드가 지나치게 건조해집니다. 여기서 Dm9 - G13 - Cmaj9처럼 확장하면 비로소 보사노바의 공기감이 살아납니다.
중요한 점은 텐션을 “쌓는 것”이 아니라 “정리하는 것”입니다. 음이 많다고 좋은 것이 아니라, 불필요한 음을 제거하고 필요한 텐션만 남기는 것이 핵심입니다. 또한 보사노바 화성에서는 세컨더리 도미넌트의 활용이 매우 자연스럽습니다. 예를 들어 Em7 - A7 - Dm7 같은 진행은 일시적 전조 효과를 만들며, 이때 A7에 9th나 13th를 추가하면 긴장과 해소가 더욱 부드럽게 연결됩니다. 이처럼 보사노바는 복잡한 화성처럼 보이지만 실제로는 기능화성에 충실하며, 그 위에 텐션을 색채처럼 덧입히는 구조입니다.
마이너 키에서도 특징이 뚜렷합니다. 예를 들어 Am7 - D7 - Gmaj7 진행에서 D7에 ♭9을 사용하면 라틴 특유의 긴장감을 살릴 수 있습니다. 다만 전통 보사노바에서는 과도한 얼터드 스케일 사용보다는 자연스러운 텐션 확장이 선호됩니다. 스윙 재즈처럼 강한 블루지한 색채보다는 맑고 투명한 사운드를 유지하는 것이 중요합니다. 최근 재즈 교육 흐름에서도 보사노바는 화성 입문용으로 적극 활용되고 있습니다. 템포가 비교적 안정적이고 리듬이 단순 반복 구조이기 때문에 화성 분석과 텐션 적용을 훈련하기에 최적의 장르이기 때문입니다. 결국 보사노바 화성학의 핵심은 “기능을 이해한 뒤 확장한다”는 원칙입니다.
보사노바에서 자주 쓰이는 텐션 공식
보사노바에서 가장 많이 활용되는 텐션은 9th, 13th, 그리고 상황에 따라 11th입니다. Maj7 코드에서는 9th가 거의 기본처럼 사용됩니다. 예를 들어 Cmaj7에서 D음을 추가해 Cmaj9으로 만들면 즉시 부드러운 확장감을 얻을 수 있습니다. 여기에 13th(A)를 더하면 더욱 따뜻한 울림을 형성합니다. 하지만 11th(F)는 장3도(E)와 충돌하기 때문에 보통은 #11로 대체하거나 생략하는 것이 일반적입니다. Dominant7 코드에서는 선택지가 더 다양합니다. G7의 경우 9th(A), 13th(E)는 매우 안정적인 텐션입니다.
반면 ♭9(Ab)이나 ♯11(C#)은 보다 강한 색채를 만듭니다. 전통적인 보사노바에서는 9th와 13th 중심의 부드러운 확장이 주를 이루며, 퓨전이나 모던 재즈 보사노바에서는 얼터드 텐션 사용 빈도가 높아지고 있습니다. Minor7 코드에서는 9th 사용이 가장 자연스럽습니다. Dm7에 E음을 추가하면 Dm9이 되며, 이 사운드는 보사노바 특유의 감성적인 분위기를 잘 표현합니다. 또한 마이너 11th(G)는 상황에 따라 사용할 수 있으나, 멜로디와의 충돌 여부를 반드시 확인해야 합니다.
텐션 선택 시 고려해야 할 요소는 세 가지입니다. 첫째, 멜로디 음과의 관계입니다. 멜로디가 이미 9th라면 코드에서 굳이 중복하지 않아도 됩니다. 둘째, 베이스와의 간격입니다. 지난 포스팅에서도 잠깐 언급한 적이 있지만 베이스 음과 반음 충돌이 생기면 의도하지 않은 불협이 발생할 수 있습니다. 셋째, 리듬적 공간입니다. 보사노바는 여백이 중요한 장르이기 때문에 텐션을 과도하게 쌓으면 오히려 답답해집니다. 실전에서는 모든 텐션을 동시에 사용하는 것이 아니라, 곡의 분위기와 멜로디 라인에 맞춰 선택적으로 적용해야 합니다. 예를 들어 발라드풍 보사노바에서는 9th 위주로 정제된 사운드를 만들고, 라틴 색채가 강한 곡에서는 ♭9을 적절히 섞어 긴장감을 부여하는 방식이 효과적입니다.
실전 보이싱 적용 전략
보사노바라는 장르의 피아노 보이싱에 있어서 핵심은 루트리스 보이싱과 음 간 간격 조절입니다. 베이스가 따로 존재하는 상황에서는 루트를 생략하고 3도와 7도를 중심으로 코드를 구성하는 것이 기본 전략입니다. 예를 들어 Cmaj9을 연주할 때 왼손에 E-B, 오른손에 D-G처럼 배치하면 루트 없이도 코드 기능이 명확히 전달됩니다.
Drop2 보이싱은 보사노바에서 매우 유용합니다. 상성부가 자연스럽게 연결되며, 코드 진행 시 음 이동이 최소화되어 부드러운 흐름을 만듭니다. 특히 Ⅱ-Ⅴ-Ⅰ 진행에서 각 코드의 3도와 7도를 반음으로 연결하면 프로 연주자 수준의 매끄러운 전환을 구현할 수 있습니다. 리듬적 접근도 중요합니다. 왼손은 베이스를 1박과 3박에 배치하고, 오른손은 2박과 4박에 코드 혹은 싱코페이션 리듬을 넣는 전통적 패턴이 기본입니다. 이때 상성부에 9th나 13th를 배치하면 코드 전체가 한층 고급스럽게 들립니다. 텐션 음을 가장 위에 두는 것만으로도 사운드 인상이 완전히 달라집니다.
또한 음역대 선택도 중요합니다. 너무 낮은 음역에서 텐션을 사용하면 소리가 탁해질 수 있으므로, 중고음역에서 정리된 형태로 배치하는 것이 좋습니다. 특히 13th는 중음 이상에 배치할 때 가장 아름답게 울립니다. 온라인 재즈 강의에서도 루트리스 보이싱과 텐션 중심 보사노바 접근법이 대세입니다. 단순 코드 암기 방식에서 벗어나, 기능 이해와 음 배치 설계를 중시하는 방향으로 학습 흐름이 바뀌고 있습니다. 결론적으로 보사노바 텐션 활용의 본질은 절제와 선택입니다. 화성학을 이해한 뒤 텐션을 전략적으로 배치하고, 보이싱을 통해 음을 정리한다면 누구나 세련된 보사노바 사운드를 만들 수 있습니다. 지금 연습 중인 곡의 Ⅱ-Ⅴ-Ⅰ 진행을 루트리스 보이싱으로 재구성하고, 9th와 13th를 상성부에 배치해 보십시오. 사운드가 즉시 달라질 것입니다.